서양 음악의 발전에는 세 가지 큰 변화가 있었는데, 매번 약 300 년 동안 계속되었다. 이러한 변화는 당시 급진적이었기 때문에 매번 변화할 때마다' 새로운' 으로 묘사되었다. 예를 들면 14 기 신악, 17 기 신악, 20 기 신악.
지금 말하는 서양 음악은 사실 16 세기 말부터 17 세기부터 18 세기까지 시작된다. 이 시기는 음악사의 바로크 시대라고 불린다. 바로크 시대 이전에는 서양 음악의 윤곽이 이렇다. 805 년은 중세 초기였고, 복조 음악이 시작되었다. 1000 은 로마식 예술이며 악보를 발명했다. 1 150. 이것은 초기 고딕 양식이다. 서기 1300 년은 말기 고딕 스타일이며, 새로운 음악 개혁 시기이다. 서기 1450 년 르네상스, 또 한 번 새로운 음악 개혁이 일어났다. 기원 1750 년에 바흐가 사망할 때까지 바로크 시대의 끝이었다. 그런 다음 클래식 음악, 로맨틱 음악, 민족 음악, 인상주의 등이 있다.
첫째, 바로크 음악
18 세기 초 드레스덴에서 많은 음악가들이 이 멋진 오르간 연주 경기를 기다리고 있다. 당시 드레스덴에는 마상이라는 프랑스 음악가가 있었다. 당시 프랑스 음악이 궁정에서 우월한 지위에 있었기 때문에, 그는 매우 자랑스러웠고, 심지어 독일 음악가들의 불만을 불러일으켰다. 이에 따라 독일 뮤지션 바흐와 프랑스 뮤지션 마샹이 공개 경쟁을 기대하고 있다. 그러나, 경기 당일, 이 마상씨는 그날의 첫 번째 메일을 통해 도망갔다. 이런 식으로,
바흐는 바로크 음악의 대가이다. 바로크 음악은 서양 고전 음악 이전의 특정 풍격을 지닌 음악이다. 바로크의 본의는 "진주의 변두리" 라고 말하는 사람도 있고, "특이한 스타일" 을 가리키는 사람도 있다. 르네상스 시대에 이 단어는 처음으로 건축에 사용되었는데, 특히 17 과 18 세기 독일과 오스트리아의 지나치게 조각된 건축 예술을 가리킨다. 나중에 회화와 음악사에 쓰였다.
바로크 음악의 스타일과 기교는 주로 다음과 같은 특징을 가지고 있다.
1: 디지털 저음: (저음 통주) 널리 사용되기 때문에 디지털 저음 시대라고도 합니다. 이 디지털 저음은 단순한 화음 표기법으로, 화음에는 단 하나의 저음만 녹음되고, 실제로 연주할 화음은 숫자로 표현되며, 연주자는 이 숫자에 따라 즉흥적으로 화음을 만들어 낸다.
2. 비교 원칙이 두드러진다. 예를 들면 초기 노래의 돌연변이, 큰 협주곡 중 독주와 협주곡의 교대, 성악과 오르간 음악의 호응 효과 등이 있다.
3. 주음과 주음의 주도적 지위 강화는 주음과 현의 주도적 지위 확립을 위한 토대를 마련했다.
4. 즉흥성과 장식성 사운드의 발전과 임의성, 풍부성, 불규칙성의 자유 특징.
바로크의 화려한 예술 풍격은 참신하고 생동감 있는 음악처럼 이전의 낡고 차분한 음악과 뚜렷한 대조를 이루었다. 중세부터 단순하고 금욕적인 음악이 장애를 극복하고 자유롭게 표현하며 강약 대비를 이루었다.
바로크 음악의 세 가지 기둥은 성악, 기악, 오르간 음악이다. 성악의 대표 음악가로는 카치니와 펠리가 있는데, 그들의 주된 업적은 청창극, 오페라 등과 같은 다양한 반주 멜로디의 발전이다. 기악의 대표 음악가는 몬트베르디와 가브리엘이 있는데, 그들의 주된 업적은 소나타와 서곡의 발전이다. 오르간 음악의 대표 음악가는 스빌린크와 포레스 코바디인데, 그들의 주된 업적은 푸가, 토카타, 조곡을 발전시키는 것이다.
역사를 돌이켜 보면, 바로크라는 단어는 당시 결코 자랑스러운 이름이 아니었다. 18 세기에' 바로크 스타일' 을 언급한다면 저급한 재미를 의미하고, 바흐와 헨델은 당시 저급한 맛의 지도자로 의심받았다. 그러나 오늘날 바로크는 음악사의 독특한 풍격으로 추앙받고 있다.
클래식 음악
서기 1762 년, 여섯 살짜리 아이가 신동으로 세계 음악 무대에 나타났다. 약 10 년 동안 신동은 뮌헨, 비엔나, 파리, 렌튼, 밀라노, 로마, 나폴리를 정복했습니다. 그의 놀라운 연주 기교와 작곡 능력은 믿을 수 없다. 나폴리의 사람들은 모두 그가 마법의 힘을 가지고 있다고 의심한다. 왜냐하면 그의 마법은 그가 착용한 반지에서 나온 것이기 때문이다.
이것은 모차르트의 진정한 묘사입니다. 클래식 음악에 대해 말하자면, 사람들은 당연히 고전 음악의 세 대표자인 하이튼, 모차르트, 베토벤을 떠올린다.
클래식 음악은 18 세기 후반과 19 세기 초에 유럽에서 유행하는 음악 유파이다. 이런 음악의 풍격은 이전의 바로크 음악과는 매우 다르다. 바흐와 헨델이 사용하는 디지털 저음 복조 표기법은 18 세기 후반에 이미 시대에 뒤떨어진 반면 클래식 음악에서는 주음 음악이 절대적인 우세에 있다. 음악은 간단한 선율에서 복조음악으로, 복조음악에서 두드러진 선율로 발전했다. 하모니 보충의 역사적 단계. 원고 시대의 단순한 음악의 반복적인 재현이 아니라 더 높은 수준이다. 클래식 음악의 주요 선율이 중요한 역할을 한다. 저음은 종종 주음이나 종속음, 또는 간단한 깨진 현으로 반복해서 연주한다. 조화를 이루면 주, 속, 슬레이브 중심의 기능 시스템이 된다. 이 시기에 사람들은 무거운 음악을 듣고 싶지 않았다. 계몽정신 요구의 한 측면이라고 할 수 있다. 따라서 활발한 감정, 엄밀한 구조, 또렷한 음악 언어, 세련된 음악 기법이 이 이 시기 음악의 중요한 특징이라고 할 수 있다. 이 시점에서 소나타 장르는 이미 고도로 발전했고, 교향악의 발전도 높은 예술 수준에 이르렀다.
고전주의라는 단어는 처음에는 주로 그리스 로마 문학 예술의 원칙과 특징을 가리키며 우아함, 소박함, 엄숙함, 엄밀한 스타일을 포함한다. 음악에서 고전주의라는 단어는 흔히 낭만주의의 대칭, 즉 낭만주의 이전의 음악을 가리킨다.
로맨틱 음악
서기 1826 년 파리, 23 세의 베를리오즈는 당시 유명한 셰익스피어 연극배우 스미소니언 양과 사랑에 빠졌다. 그러나 이 연애는 비극으로 끝났다. 실연의 고통은 이 불쌍한 음악가를 절망의 심연에 빠뜨렸다. 이런 열정과 좌절, 갈망과 좌절, 환상과 의심, 분노와 조롱의 정신영역에서 그의 자서전 교향곡' 환상곡' 에서 가장 잘 표현된 이 교향곡은 초연 때 큰 성공을 거두며 낭만주의 음악파의 중요한 대표작 중 하나가 되었다. 이 교향곡을 통해 우리는 당시 사회의 맥박을 느낄 수 있었고, 당시 정치 반동시대 프랑스 자산계급과 소자산계급의 갈등 상태를 보여 주었다.
낭만이라는 단어는' 환상',' 전설',' 협의' 등으로 음역된다. 문학예술에서' 고전' 이라는 글자의 대칭성이다. 낭만주의 음악은 고전음악파에 이어 19 세기에 유행하는 서양 음악유파이다. 음악에서, 그것의 특징은 주관성, 감정, 그리고 더 많은 형태의 자유를 강조하는 것이다. 이러한 특징들은 베토벤 후기 작품, 특히 피아노 소나타에서 드러났지만 낭만주의 음악학파는 윌버와 슈베르트에서 시작되었다. 윌버는 당시 오페라' 자유사수' 를 써서 공인된 낭만파 파이오니아가 되었다. 슈베르트의 독주도 이때 유행하기 시작했다. 로맨틱 음악의 상징 중 하나는 대사나 시가 필요한 오페라로, 노래를 분계선으로 한다. 처음엔 우연이 아니었다. 낭만주의 운동은 음악에 관한 것이 아니라 당시의 조형예술과 문학의 심미사조와 밀접한 관련이 있기 때문이다. 음악으로 말하자면, 로맨틱한 음악은 주목할 만하다.
웨버와 슈베르트를 제외하고 초기 낭만주의 음악 유파는 같은 10 년 만에 태어난 여섯 명의 작곡가로부터 발전했다. 이 여섯 명의 유명한 작곡가는 각각 1 베를리오즈 (1803~ 1869) 로, 그 주요 작품은' 환상곡',' 헝가리 행진곡',' 다른 두 명의 멘데스 슈만 (1810 ~1856) 4 쇼팽 (1810 리스터 (1811~1886) 에는 바그너 6 곡 (18/kk) 이 있다
1850 부터 서구 낭만주의 음악파가 2 단계로 접어들면서 말기 낭만주의 유파라고 합니다. 초기 낭만주의 음악 유파의 고도의 발전으로, 그 후 고전의 간결성과 통일을 찾아 원래의 스타일로 돌아가려는 시도가 있었다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 음악명언) 다른 사람들은 독일 음악과 경쟁하기 위해 자신의 민족 음악을 개발하기 위해 노력한다. 다른 사람들은 대담하게 고도의 반음음악을 탐구했다. 그의 낭만주의 음악파의 중요한 대표는 프랭크의 주요 작품으로는' A 장조 피아노와 바이올린 소나타', 브람스, 브루크너, 차이코프스키의 주요 작품으로는' 제 1 피아노 협주곡',' 현악 세레나데',' 백조의 호수',' 제 1 거인 교향곡',' 제 1 거인 교향곡' 이 있다
작곡뿐만 아니라 낭만주의 음악도 연주에서 큰 발전을 이루었습니다. 개성의 표현은 작곡의 요소일 뿐만 아니라 연주자의 필수조건이 되고 있습니다. 그 결과 자연스럽게 연주 효과를 고려할 것이고, 연주자는 고도의 연주 기교를 발휘하여 바이올린 연주자 파가니니와 같은 관객들로부터 열렬한 박수를 받을 것이다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 스포츠명언) 또한 당시 작곡가와 연주가 리스터, 쇼팽, 비니아프스키 등도 연주 방법의 변화와 발전에 크게 기여했다.
국립 음악학교
1866 이른 봄의 프라하, 체코 민족 언어로 쓰여진 앙겔 오페라가 관객을 만났다. 보헤미아 농촌 농민을 배경으로 한 이 오페라는 진한 보헤미아 색채로 체코 민족 오페라의 본보기로 인정받고 있다. 이 오페라는' 배신당한 신부' 라고 불리며 스미타나가 작곡했고, 작가의 또 다른 교향조곡' 나의 조국' 에는 유명한 악장이 담겨 있다.
민족음악학파는 19 세기 후반 이후 민족적 특색을 강조한 음악유파이다. 이 음악 유파에 속한 작곡가들은 종종 본민족의 민가와 춤 리듬을 채택하여 본민족의 역사와 생활의 이야기를 오페라와 교향시의 창작 제재로 선택한다. 음악 스타일에서는 국악파가 처음의 낭만주의 음악에서 발전한 것이라고 할 수 있다. 웨버, 쇼팽, 리스터, 바그너 등 낭만주의 작곡가들은 의식적이든 무의식적이든 그들의 작품에서 강렬한 민족 냄새를 맡을 수 있다. KLOC-0/9 세기 중반 이후 많은 국가와 민족이 독일 음악 스타일에서 의식적으로 벗어나고 있다. 1860 년에 보헤미아 노르웨이 러시아에서 민족 음악 학파가 일어났다. 체코 민족 음악의 아버지 스미타나의 유명한 작품 외에도 체코 민족 뮤지션인 데보 샤크의 관현악작' 슬라브 댄스' 도 유명하다. 노르웨이 작곡가 그리그는 조국 민족 음악을 바탕으로 유럽 음악의 작곡 기법을 활용했다. 러시아 민족 음악의 아버지 그린카는 러시아 전설을 주제로 한 최초의 오페라' 이반 소사닌' 을 창작한 뒤 바라키레프, 퀴이, 보로틴, 무솔스키, 린스키 코사코프로 구성된 러시아 실력파가 등장했다. 나중에 민족 음악 학교가 핀란드로 이사했을 때, 시벨리우스는 일찍이 이 유파에 속해 있었다.
헝가리의 바토크와 코다이, 영국의 윌리엄 포한, 루마니아의 에네스쿠, 미국의 해리스와 그슈윈과 같은 20 세기의 현대 음악가들은 모두 민족 음악의 걸출한 대표라고 할 수 있다.
현대 음악 유파
기원 1894 년 드뷔시의 인상파 오케스트라 전주곡' 목신의 오후' 가 파리에서 첫 공연을 하며 큰 호평을 받았다. 모네의 유화' 인상-욱일동승' 과는 대조적으로 20 년 전 파리에서 처음 전시돼' 인상주의' 라는 죄명으로 조롱을 받았다.
서양 음악사에서 현대 음악 유파는 일반적으로 인상파 음악에서 계산한다.
음악이 현대적인지 아닌지는 어느 시대 스타일과 관련된 상대적 개념이다. "현대" 라는 단어의 의미는 때와 각도에 따라 다르다. 어떤 사람들은 현대 음악이 제 2 차 세계 대전 이후 가장 급진적인 음악 유파를 가리킨다고 편협하게 나누었다. 어떤 사람들은 그것을 광범위하게 나누었다: 인상파 음악도 현대 음악의 범주에 포함됐다. 다른 사람들은 그것을 더 넓게 나누었다: 바그너의 뮤지컬' 트리스탄과 이솔드' 는 새로운 음악 시대의 시작이다. 구분은 다르지만 현대음악의 기본 단계 구분은 비슷하다. 65438 년부터 0856 년까지의' 트리스탄과 이솔드' 를 현대음악의 전주곡으로 삼는다면, 두 차례의 세계대전을 경계로 한다.
현대 음악 현대 음악
1 기, 2 기, 3 기
1856190019181945/kloc-0
따라서 일반적으로 현대 음악은 주로 20 세기 이후, 특히 제 2 차 세계 대전 이후 서구 신음악 유파를 가리킨다고 할 수 있다. 만약 19 세기 후반 주로 낭만주의의 현대음악이라면, 첫 시기의 현대음악은 기본적으로 상술한 음악의 확장으로 드뷔시의 인상주의와 훈버그의 표현주의로 대표된다. 두 번째 기간은 신고전주의를 대표합니다. 세 번째 시기에는 각종 전위 음악, 각종 풍격이 병존했다.
기술적 특성상 이 현대 음악에는 적어도 다음과 같은 범주가 포함될 수 있습니다.
1 .. 음조가 확장된 음악-이런 음악은 음조의 가장자리까지 뻗어 있다. 부동 조정의 경우 빈번한 반음, 먼' 변화현', 매우 복잡한 불협화음, 다양한 음조를 동시에 조합한다.
둘째, 다양한 음조 음악-이런 종류의 음악은 일부 12 음 음악 및 기타 다양한 시퀀스 음악과 같은 전통적인 음조 센터가 전혀 없습니다.
셋째: 각종 전위 음악-어떤 작품들은 매우 복잡한 수치 연산을 통해 편성되고, 어떤 작품들은 녹음이나 컴퓨터를 주요 작곡 수단으로, 예를 들면 테이프 음악, 전자 음악, 컴퓨터 음악 등이다. 그 외에도 우발적인 음악, 직관적인 음악 등이 있다.
현대 음악 입문:
1: 인상파 음악: 인상파 회화와 인상파 문학의 영향을 받는 음악 장르입니다. 그 작품은 시, 그림, 자연 풍경을 소재로 하여 에노콜리다에 대한 순간적인 인상을 의도적으로 표현했다. 드뷔시, 프랑스의 라웰, 두카, 스페인의 데파야, 영국의 다리우스, 스콧 등 유명한 작곡가를 제외하고는 대표할 수 없다. 미국에는 레프스키, 인상파의 미학 환상가와 같은 유명한 음악가가 있다. 파리 코뮌이 실패한 후의 역사 상태에서 그들은 자신도 모르게 아름다운 생활의 허황된 세계에 대한 환상과 당시의 잔혹한 현실에 대한 도피를 반영했다.
2. 표현주의 음악: 20 세기 초에 시작되어 20 세기 20 ~ 30 년대에 유행했다. 오스트리아 뮤지션 쇤버그에 의해 창립되었으며, 그의 학생인 버그와 윌번은 그것을 계승하고 발전시켰다. 표현주의는 인상파가 예술적으로 제기한 첫 번째 예술 이론으로, 인상주의는 객관적 세계가 본 것에 대한 순수하고 객관적인 묘사를 주장한다. 표현주의는 인간의 정신세계에 대한 직접적인 표현과 내면에 보이는 객관적인 태도를 강조한다. 자본주의가 제국주의로 발전하기 시작한 후 대도시의' 소인물' 의 예술이다. 그 중요한 창작 기법 중 하나는 쇤버그가 창시한 12 음체계이다. 이 체계에 따르면 반음계 중 12 개의 음이 같은 위치에 있다. 그것들을 일정한 성조 순서에 따라 배열하고 성조 순서의 기본 형식으로 뒤집는다. 역행 반전 등의 기술을 이용하여 처리하다. 이 시리즈의 12 음이 모두 나올 때까지 하나도 반복할 수 없다. 12 음체계의 음악은 대부분 음조가 없거나 자유롭다.
3. 원시역사주의 음악: 19 세기부터 20 세기까지 서유럽 예술 (주로 조형예술) 의 유파이다. 프랑스 화가 헨리 루냉은 현대 원시 역사주의의 리더로 꼽히고, 화가 피카소 등은 작품에서 원시 역사주의의 수법과 뛰어난 기교로 다채로운 작품을 창작했다. 원시 역사주의의 음악에서의 표현은 결코 안정된 장르가 아니다. 스트라빈스키의 경우, 그의 발레 뮤지컬' 설' 과 같은 초기 작품들 중 일부만이 전형적인 역사주의 음악이다. 바르톡, 오나이크 등 다른 현대 뮤지션들도 개별 작품에서 자신을 드러낸 적이 있다. 또 아주 간단한 현대수법으로 쓴 음악을 원역사주의라고 부르는 사람들도 있다. 예를 들면 유명한 서독 작곡가 울프와 같다.
4. 반파시스트 음악유파: 이것은 음악 스타일로 나누어지지 않는 음악유파이다. 제 2 차 세계대전 전후 유럽에서 유행했던 나치의 잔학 통치에 반대하는 각종 음악작품들이 이런 범주에 속한다. 쇤버그의' 바르샤바의 생존자' 등 영향력 있는 작품들은 제 2 차 세계대전 중 나치 강제 수용소에서 유대인을 박해하는 끔찍한 잔학 행위를 폭로해 세계 각지에서 수없이 공연해 시청자들의 환영을 받았다.
5. 신고전주곡: 1920 년대에 등장한 6 개의 현대음악유파이다. 그것은 후기 낭만주의가 음악의 제목과 주체성에서 야기한 일종의 창작사조이다. 그것은 음악이' 고전' 으로 돌아가 바흐에서 더 먼 시대로 돌아가야 한다고 주장한다. 이 명제는 처음에 이탈리아인 부소니가 제기한 것으로, 그의' 희극 서곡' 과' 피아노 소나타' 가 바로 이런 작품이다. 헨드하지만 이 유파의 가장 영향력 있는 인물은 스트라빈스키다. 그의' 찬송시 교향곡' 과' 군인의 이야기' 는 고전적인 신고전주의 작품이라고 할 수 있다.
6. 이음 장르: 현대음악에서 이음으로 창작한 작품을 이음 장르라고 합니다. 차이음이란 피아노 건반에서 반음보다 작은 음정을 말한다. 중국의 민악에서는 종종 키보드의 어떤 음보다 약간 높거나 낮다. 반음보다 작은 이 음정은 보통 "↑" 또는 "↓" 기호로 표기되어 있다. 이음 장르의 장르는 각각 다르며, 어떤 것은 1 옥타브 이내이다. 전체 음을 나누지 않는 것도 있고, 음정을 옥타브로 나누지 않는 것도 있습니다. 현대 이탈리아 작곡가 브루니는 세 번째 음조 사용을 고려하고 있다. 체코의 바하는 이음파의 대표적 인물이다.
7. 시퀀스 음악: 일정한 음고, 길이, 힘, 색채, 다른 연주 방법에 따라 일정한 절차에 따라 만든 음악으로, 시퀀스 음악이라고 합니다. 그것은 20 세기 중엽 이래 서구에서 유행하는 새로운 장르이다. 주요 대표 인물은 브레츠, 윌번, 메이선, 노노 등이다. 1960 년대 이래로, 시퀀스 음악은 종종 전자 음악과 결합되었다.
8. 전자음악: 1950 년대에 등장한 일종의 전위음악입니다. 이것은 전자 음향으로 만든 음악이다. 특히, 테이프의 속도를 변경하거나, 빈도를 변경하거나, 빈도, 진폭을 필터링하고, 빈도와 진폭을 수정하고, 에코 기술을 사용하는 것입니다. , 그리고 다른 전자악기와 녹음 기술을 접목해 재생합성작품으로 만들었다. 그 대표 인물은 스토크하우슨과 케이지이다.
9. 구체적 음악: 테이프에 있는 자연의 실제 소리에서 직접 만든 음악입니다. 이 자연스러운 소리는 기차의 우르릉거리는 소리, 바지선의 삐 소리, 사람들의 속삭임 소리, 한숨 소리, 기침 소리, 주방의 접시, 나이프와 포크, 냄비 대야 소리 등 모든 것을 포괄한다. 대표적인 인물로는 셰퍼, Only 등이 있다.
10: 우연한 음악: 우연한 음악입니다. 그 대표 인물은 케이지 등이다. 우연성' 의 개념은 라틴어에서 유래했다: alea iacta est 는 주사위를 던질 때의 우연성을 가리키기 때문에 주사위 음악이라고도 한다. 우연한 음악은 여러 가지가 있는데, 일부는 점술, 주사위 던지기, 동전 던지기 등을 통해 작품의 음고, 박자, 음색을 결정한다. 우리가 평소에 듣는 음악은 현실 세계의 목소리와 무관하며 허구의 아름다움으로 여겨진다. 그것은 목적이 없는 게임으로 여겨진다. 그것의 진정한 아름다움은 그것이 관객과 존재하는 순간, 즉 가끔 내는 소리일 것이다. (존 F. 케네디, 아름다움명언) 우연히 뮤지션은 "온갖 방법으로 음악을 만들자" 고 주장했다. 서방도 이런 작곡가가 창작자로서의 의무를 잃었다는 평가를 받고 있다. 사실 그들은 단지 다른 입장에 서 있을 뿐이다. ) 을 참조하십시오
1 1: 재즈 음악: 일종의 오락적인 댄스곡입니다. 20 세기 초 미국 뉴올리언스 등에서 유래한 것으로, 미국 흑인 음악의 노동가, 영혼가, 브루스 (애원가), 라그탐 (라그팀 음악) 에서 진화했다. 19 14 가 유럽에 도입된 이후 자본화되었다.
12: 팝 음악: 서양 팝 음악의 총칭. 팝송은 팝이라는 단어의 음역이며, 그 음악에는 서구의 각종 팝송과 팝송이 포함되어 있다. 재즈도 이런 부류에 속한다. 1950 년대 중반에 서방에서는 흔들림이 일어났고, 60 년대에는 흔들림이라는 이름으로 서양에서 유행하기 시작했다. 그중에서도 유명한 스윙 음악 쌍은 비틀즈, 롤링 스톤, 스웨덴이다. 디스코 음악은 로큰롤 음악을 대신해 서구 사회의 여러 분야에 들어갔다. 빠른 속도, 기본 속도 분당 1.25 박자, 리듬이 강하고 유연하지 않아 경련까지 열광하는 것이 특징이다.
일부 서양 음악 작품 중 엽기적인 정신과 음향에서 볼 수 있듯이 저자는 제 2 차 세계대전 전후의 자본주의 세계의 일부 측면 (전쟁에 대한 공포, 미래에 대한 절망, 공허하고 고독한 심리 상태 등) 을 의도적으로 반영한 것으로 보인다. 브라에크의 추상 오페라' 1 호' 를 예로 들면, 노래조차도' 아, 명, 가' 와 같은 추상적인 단어이지만 무대 천막에서 방사된' 두려움, 두려움' 을 보면 그렇게 추상적이지 않다는 것을 알 수 있다. 또 다른 예는 존 케이지의' 4 분 30 초' 인데, 한 피아니스트는 아무 것도 연주하지 않고 조용히 4 분 30 초 동안 앉아 있었다. 이 이상한 작품은 적어도 작가의 내면 세계의 공허함을 반영한다. 물론, 기술적 관점에서 볼 때, 우리는 여전히 이 다양한 음악에 대해 알아야 그것이 무엇인지 알 수 있다. 세계 현대 음악에서는 말할 필요도 없이, 여러 가지 다른 음악 작품들이 있는데, 그중에는 우수하기도 하고 부정적이기도 하다. 그러므로 우리는 실사구시적인 태도로 구체적인 작품을 구체적으로 분석해야 한다.
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